Constantly on the hunt and suffering from hallucinations that drive his violent nature, an unnamed man is capturing women and savagely beating them to death. Meanwhile, a woman is luring men into a violent end, by way of her knife. Driven by the same force to make the opposite sex suffer, the killers’ fates intertwine. The two must face off in a battle to the death, in which they are forced to reveal the horrible truth behind their addiction to murder.
“Brutal” takes an interesting approach to its visuals, drawing heavy influence from Western “Grindhouse” films, using a filter to make the footage appear grainy, damaged, and with light and color fluctuations. Unfortunately, the visual styling ends up feeling misguided, as other than applying the filter it does not imitate any other aspects of the “Grindhouse” genre. Despite trying to dirty up the film, it is apparent it was shot on digital. The cinematography is also a step above most “Grindhouse” productions, with Takashi Hirose proving he has talent behind the camera. Exterior shots to those taking place in small spaces are all competently framed, lit, and transition well. The decision to add an effect on top of the work hurts the film’s imagery and even gives a sense of desperation to try to capture a certain type of nostalgia with the audience, instead of relying on its own strengths. It is unfortunate when one creative choice can hurt a production so much.
The story of “Brutal” is simple but effective, it does attempt some sort of social commentary about the violent nature of men and women, but it does not offer enough depth into the subject to justify the amount of violence on display. The film does end on a strong note with an interesting twist, with a reveal that is bound to gross some out, while giving others a chuckle. In spite of its simple nature, those who enjoy films that make them somewhat uncomfortable and enjoy the challenge of getting through some ultra-violence, “Brutal” poses a fun and entertaining challenge in that regard.
感谢这个电影让我关注到了那些山村的孩子，希望更多的人看到，给那些孩子带去希望。
题材我很少看，风景不错演技也不错，节奏比较一般，煽情点也稍微有点刻意。
理查德·林克莱特多童年时光及片单集锦。登月过程的交叉剪辑形成了一种奇妙的化学反应，让这个脑洞大开的“阿波罗101/2”看起来，嗯，我暂且形容为「不刻意」吧。（孩子们视角下的）60、70年代的信息如万花筒般刺激观众眼球，让人眼前一亮，心生好奇。但过多的旁白使得影片整体的观感略为打折。哦，这种奇怪的画面其实确实有点别扭。
儿童视角展示的登月计划和美国60年代风情画。生活琐事配上画外音的手法使叙事深陷在童年回忆里停滞不前；戏谑登月计划的部分未必是在呼应甚嚣尘上的阴谋论，而是童年回忆里最华丽的一笔，彻底将爱国宣传、美苏争霸等复杂的政治历史抛到九霄云外，剩下最天真烂漫的太空幻想。既是向那个年代致敬，也是导演心目中迷影精神的完美呈现。
那么多童年的畅想，童年的气息，童年的味道，童年的颜色，糅合在一起成为了每个人独特的记忆。他珍藏的、在半梦半醒中见到的是登月，我们的呢？
风景好，人也好，就是感觉里面的人好可怜，感觉他妈死的好孤单，女主角也好孤独，什么都刚刚好，没有太刻意，很真实很自然
如果由历史亲历者把他的感受公之于众
就像是导演不带有色眼镜的回看了自己丰富多彩的童年，以动画形式呈现比真人电影更有回忆感，很喜欢这种呈现方式，听着挺絮叨其实看起来一点也不枯燥。
米国人的60年代怀旧片，真人拍摄转动画其实很讨巧，特效上能省一大波钱
太懂这种感觉了，压根与太空科幻无关的片，而是导演对自己记忆美好的追念或者说成品。在科技发达的今日，仍然用简略纪实的动画风格去怀念那些过去的年代记忆。就犹如lana del rey在最美好的时节唱衰美国，而理查德·林克莱特则用动画重置了自己的《少年时代》。电影很好，可能会捞的各大动画电影提名，但是打动不了我的，始终是片中那些美好的美国梦，美国生活，美国童年始终离我又近又远。
现实生活没有玫瑰色的滤镜，无力承受，提前退，在朋友圈感叹入不敷出，免了一个月。这世上有什么坎是过不去，看了一下存款，和要还的还款，承认是穷疯了，兔子疯了要咬人，穷了要发疯，别疯 先给你疫情免一个月，等找到再说。60－70年代年的美国，那时的一切都朝气蓬勃欣欣向荣，人们乐观地相信未来，但梦幻的少年时代，只是记忆增添的滤镜，不义战争、种族歧视与性别压迫，危机一直都在，当下的风暴正在酝酿中，五十多年过去了，宁静海的脚印还在，但再未有人类的身影，从月球俯瞰地球，是一个混乱诡谲的时代，但那也是一个仰望星空的时代，那是一个惨绝人寰的世界，也是一个凤凰涅槃的世界，左手屠刀，右手罗盘
平凡的人做着最伟大的事，他们把青春甚至生命都献给了这里，朗措也有走出藏区的机会，但是他依然选择留在这里，韩老师一生无儿无女确是无数藏区孩子的爸爸。是一部好电影，虽然演员的名气都不大，但演技到位，人物真实，很纯粹的一部作品，令人动容。
那么多童年的畅想，童年的气息，童年的味道，童年的颜色，糅合在一起成为了每个人独特的记忆。他珍藏的、在半梦半醒中见到的是登月，我们的呢？
太空时代的《少年时代》，《登月第一人》、《阿波罗11号》后关于同一事件的又一个视角版本，这次是在时代的看台上。美轮美奂的转描动画道出了怀旧的滤镜本质。interstellar overdrive这歌早该早该早该用在这些电影里了！
這是一部對過去緬懷的一部電影，劇情說不上什麼特別的。但就這自訴的過程，其實看得令人很嚮往。回憶總是有趣的，不一定與現實相符，但卻是可以自己構造的，因為有一個很好的童年，所以所經歷往事都是開心有樂趣的。很難看到一部外國電影把家庭氛圍描繪的那麼親切，看來導演卻是有一個很好的原生家庭，令回憶飽含溫暖與陽光。
立意不错，整部电影都突出大爱和牺牲，没有小情小爱的纠结狗血，这点好评。
虽然我没有去当过支教，但我可以理解那样的环境还在坚持的人是多么的伟大
以虚构的少年登月计划抒发编导对上世纪60年代童年回忆的怀旧之情。虽然经历不尽相同，但对少年观察世界的角度和对未知事物的好奇心是能够感同身受的。
其实单纯童年日常生活就挺好看的了，少年登月部分反而有些脱节，有点强加主旨的感觉。虽然是美国孩子的1960s，但也对个别情节产生了共鸣，比如手拉手冲过去的游戏、躲避球、玩伴们关于音乐的讨论和换台时的打闹。
看着孩子们求学若渴的眼神真的会充满力量，当然也会有压力，男主真不容易。
Copyright © 2015-2023 All Rights Reserved
